lunes, 31 de diciembre de 2012

ATSUSHI SUWA, ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE...



"Es cosa tan pequeña nuestro llanto; son tan pequeña cosa los suspiros... Sin embargo, por cosas tan pequeñas vosotros y nosotras nos morirnos."
(Emily Dickinson)





   Pinceladas entre la vida y la muerte.



   Esta entrada la dejo para la finalización de este 2012. En cierto modo es apropiado ya que finaliza una etapa para dejar paso a otra nueva, la muerte de lo viejo o lo ya finalizado que deja paso a lo nuevo.
 
   Hoy hace un año que realicé mi primera publicación de este blog, el nacimiento de este pequeño entretenimiento y aprendizaje. Nunca imaginé que ha día de hoy ya su número de visitas ronden las 64.200. Gracias a todos por compartir este inicio conmigo, que espero que sea una continuación.









      Una vez más, hablo sobre de un pintor nacido en Hokkaido (Japón), capaz de lograr un hiperrealismo en todas sus obras desbordante y con un estilo muy marcado y personal, haciendo que nuestras miradas contemplen algo  que en ocasiones, es tan temido en nuestra cultura, el tema de la muerte.

 Suwa es reconocido mundialmente como pintor.



   Se graduó en 1992 por la Universidad de Arte de Musashino. Permaneció unos años en Madrid, gracias a un programa para artistas organizado por la "Agencia para Asuntos Culturales". Al regresar a Japón, se centró especialmente en el realismo.



Obra de Atsushi Suwa.

   Sus pinturas se centran en el cuerpo humano, especialmente en la figura femenina y en los cambios que la vida realiza y se cobra como peaje de la estancia en ella (envejecimiento, etc.). Realmente algunas de ellas son impactantes, define a la perfección el cuerpo marchito de la persona que llega a su fin, mostrando con todo detalle las arrugas, las manchas, la falta de fuerza y el color de una vida que se escapa. El último suspiro que aparece en los labios de aquel que sabe que va a morir.



Obra del artista Atsushi Suwa.



   Domina a la perfección el dibujo, quedando patente en sus obras, en las que predominan los grises y las escenas envejecidas con un toque de luminosidad. Escenas que transmiten silencio, reflexión y el paso del tiempo. 


   Un paseo entre la vida y la muerte, las etapas por las que el ser humano pasa, llegando incluso a hacernos sentir la propia agonía del que espera a la dama oscura que llevará su alma a otros mundos.


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/04/el-hiperrealismo.html




   Dejo un enlace en el que se trata de la muerte y que me parece realmente interesante, como es vista la muerte en diferentes culturas. Un tema bastante temido y del que se habla poco en general, como si ya mentando únicamente el nombre de la misma esto nos va a traer la desgracia. No hay que tener miedo a la muerte, si al dolor. La muerte en muchos casos puede ser el descanso del alma. Siempre nos han enseñado desde pequeños el sentido de la vida, pero nunca el sentido de la muerte, precisamente la tememos tanto. 




Trabajo de Suwa.

http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/05/oleo-geisha-mi-segundo-trabajo.html



   Se puede comprobar simplemente viendo la forma de los rituales utilizados por cada cultura, por cada lugar, la importancia que se le de, más trágica o como algo más espiritual y por lo tanto menos dolorosa.

   Cuando hablo de la muerte, me refiero al echo en sí, no a los acontecimientos que la han acontecido hasta llegar a ella.


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/08/zhao-chum-sensibilidad-de-la-mujer-miao.html


Obra del pintor  japonés Suwa.


http://www.escuelatranspersonal.com/tesis/duelo-y-muerte/la-muerte-en-diferentes-culturas.pdf







"TORO NAGASHI"

   En Japón, es muy importante la veneración  a sus difuntos y la travesía que realiza el alma es algo que tiene un gran valor para ellos.





   Existe el "Toro Nagashi", que según cuenta la leyenda se origina con la historia de Mokuren, un discípulo de Buda que empeló  los poderes sobrenaturales que poseía para ponerse en contacto con su madre difunta. Lo que vio no resultó ser grato, ya que su madre permanecía en el reino de los fantasmas padeciendo grandes sufrimientos y no logrando por lo tanto el descanso. 

Apesadumbrado, pidió consejo a Buda para ayudar a su madre a salir de dicho reino. Buda le aconsejó realizar unas ofrendas el día quince del séptimo mes. Así fue como el discípulo consiguió ver a su madre liberándola de tal calvario. Con la alegría ambos comenzaron  una danza, de la cual vendría el Bon Odori, una festividad para recordar a los antepasados.




Imagen de una linterna flotante.



   Existe un ritual que se celebra y que siempre me ha resultado muy llamativo, quizás por la paz y la tranquilidad que me transmiten sus farolillos en la oscuridad de la noche en la que veneran a los difuntos y sus almas. Esto es lo que se llama Toro Nagashi. Es una forma de guiar con las luces a los espíritus de los muertos de vuelta al otro mundo. Los faroles blancos hacen alusión a los fallecidos en el último año.

   En ellos se les dejan escritos mensajes. Que forma más bonita de despedirse y de homenajear a los seres que ya no están, con la pureza del agua y la unión de la luz.





http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/07/wai-ming-y-los-ninos-de-oriente.html




domingo, 23 de diciembre de 2012

HANS JOCHEM BAKKER, ROSTROS DE MUJER...





"Opino que lo que se llama belleza, reside únicamente en la sonrisa."
(León Tolstoi)





Lo aparentemente inacabado. 



 






   Hans Jochem Bakker es un pintor autodidacta nacido en 1948. Llaman la atención una serie de obras que posee y que nos muestran rostros de mujer, combinando la pintura con las texturas, logrando con ello un efecto especial, que en ocasiones puede dar la sensación de que sus obras no están aún finalizadas, cosa que por otra parte, él siempre comenta, que una obra nunca está finalizada al completo.



Pintura de Hans Jochem Bakker.


   Está influenciado por artistas como son Dalí, Miró y Picasso.
   Son rostros carentes apenas de colorido, prácticamente se basan los colores utilizados para ellos en los negros o grises, integrando entre ellos pinceladas de azules o rojos.
   Mujeres con rostros sugerentes que aparecen tras miradas felinas en las que el rimel aparece extendido y  labios gruesos y sensuales manchados de carmín. Nos pueden recordar a esas mujeres italianas tipo Mónica Belluci.





Pintura de Hans Jochem Bakker.




   Son pinturas que nos pueden dar mucho juego a la hora de realizar una copia, dándonos muchas opciones para las texturas.



Mujer oriental de Hans Jochem Bakker.





   Aparte de los rostros de mujeres posee otras obras con mucho colorido y muy diferentes que os muestro a continuación.



Pintura de Bakker.





Pintura realizada por Hans Jochem Bakker.


Pintura de Hans Bakker.




YO NO TE PIDO

Yo no te pido que me bajes
una estrella azul,
solo te pido que mi espacio
llenes con tu luz.

Yo no te pido que me firmes
diez papeles grises para amar,
sólo te pido que tu quieras
las palomas que suelo mirar.

De lo pasado no lo voy a negar
el futuro algún día llegara,
y del presente
que le importa a la gente,
si es que siempre van a hablar.

Sigue llenando este minuto,
de razones para respirar,
no me complazcas no te niegues,
no hables por hablar.

Yo no te pido que me bajes
una estrella azul,
solo te pido que mi espacio
llenes con tu luz.

(Mario Benedetti)





http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/07/karol-bak-la-feminidad-flor-de-piel.html







martes, 18 de diciembre de 2012

FRIDA KAHLO...


"Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior."
(Frida Kahlo)



   Autorretrato de un dolor.

 

   

   En esta ocasión voy a hablar de Frida Kahlo, ya que es una de las grandes de la pintura. Personalmente no me gusta el estilo que posee, pero lo que sí me gusta es la historia que tiene impresa en  cada trabajo que ha realizado. Frida nos deja ver su vida y su mundo interior a través de sus obras. Su dolor, su tristeza y sus sentimientos más oscuros y desgarradores fluyen a través de esas pinceladas, de esos colores y de esos autorretratos que quizás no se lleguen a entender a no ser que se sepa su historia. 

   Una persona muy peculiar, transgresora y atrevida para sus tiempos y para el mundo que la rodeaba. Una persona que ha tenido una vida muy dura y complicada, para la cual, la pintura era su escape y su grito de dolor.
   Todos la conocemos como Frida Kahlo, pero su nombre real y completo es Magdalena Carnen Kahlo Calderón, nacida en 1907 en Coyoacán, México. Frida era alguien poco convencional, alguien que luchó contra la época y sus restricciones.



Frida Kahlo.


   Como ya he dicho, sus obras poseen un transfondo, una forma de representar su interior y la historia de su vida, una vida marcada por la fatalidad y una lucha constante por mantener la vida y las ganas para vivirla. Su infancia ya estuvo marcada debido a una larga enfermedad, la cual le provocó una gran limitación motriz y años más tarde, por una accidente en 1925, algo que le produjo estar largas temporadas postrada, algo que la llevaría a introducirse en la pintura, algo por lo que curiosamente, resultó conocida y famosa. Frida viajaba en un autobús cuando se dirigía a casa de vuelta del colegio. El autobús fue arrollado por un tranvía, quedando aplastado. La columna de Frida se fracturó en 3 partes y sufrió graves daños en la clavícula, cadera y costillas. Su pierna derecha se fracturó en varias partes y el pasamanos del tranvía la atravesó desde la cadera hasta salir por la vagina. Esto hizo que Frida pasara un largo calvario de 32 operaciones, corsés de yeso y mecanismos varios de "estiramiento".



"La columna rota" de Frida Kahlo.


 Fue entonces, cuando comenzó a pintar, para mantener su cabeza en otra parte y evadirse del dolor y de su desgracia. Su primer autorretrato a óleo se lo dedicó a Alejandro Gomez Arias, su novio que viajaba con ella en el autobús el día del fatídico accidente. Comenzó entonces, una forma de desahogo una forma de reflejar en sus cuadros sus emociones más tristes y la soledad que la perseguía desde su infancia debido a su enfermedad.  En esta época destacan algunas de sus obras que plasman a la perfección sus sentimientos, que son "Cuatro habitantes de Ciudad de México", "Niña con máscara de muerte" o "Ella juega sola".

   
"Niña con máscara de muerte" o "Ella juega sola" obra de Frida.


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/03/la-gioconda-de-leonardo-da-vinci.html



  Declarada abiertamente bisexual, Frida se casó con el naturalista mexicano Diego Rivera, alguien que marcaría su vida de una forma profunda. Rivera fue una gran influencia para Frida, ya que esta comenzó a incluir en sus obras el arte popular mexicano y los indígenas.




Caracterizada como Tehuana su obra "Pensando en Diego".



http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/03/el-grito-de-edvard-munch.html



   El sufrimiento no cesaría, ya que su matrimonio se rompió por culpa de las infidelidades de Rivera, incluso con la propia hermana de la artista. El gran amor de su vida, le provocó la herida más dura, provocándole una gran depresión, algo que le llevó a la consumismo excesivo de alcohol, para poder aliviar tanto su dolor físico como psiquico. Durante este periodo hay dos grandes obras que representan a la perfección ese dolor y ese estado, "Las dos Fridas" y "Desnudos en un bosque".



   
"Las dos Fridas".
  


 Tras esto y varias penurias más, el peor momento de la vida de Frida fue cuando debido a una gangrena le tuvieron que amputar una pierna. Frida intentó quitarse la vida en varias ocasiones. Para sacar su tristeza de su alma, comenzó a escribir un diario, en el que hablaba sin tapujos de su calvario, su dolor y sufrimiento al igual que de sus ideas suicidas.



Obra de Frida.


   Si Frida mantuvo y buscó las fuerzas para seguir, fue gracias al amor que sentía por Diego Rivera, con quien volvió a casarse, y por su esperanza de que algún día, él la necesitaría tanto como ella a él.
   A todo esto, se suma la pérdida de 3 hijos.
   Las últimas palabras escritas en su diario fueron "Espero alegre la salida y espero no volver jamás". Murió en 1954, no realizándosele ninguna autopsia a su cuerpo.


   Frida comenzó su camino en el arte a modo privado, hasta que sus obras fueron expuestas  en una exposición individual en New York y París, algo que le produjo gran sorpresa a la artista ya que consideraba que sus obras no poseían ningún valor artístico.



Obra realizada por la artista Frida Kahlo.


   Como les ha sucedido a muchos grandes de la pintura, el verdadero reconocimiento le llegó tras su muerte, en la década de 1970.
   Frida forjó su propio mito y leyenda, gracias al personaje que creó en sus obras y él cual aparece en la mayoría de ellas, su propio reflejo, un tanto exagerado.


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/07/oleo-mujer-entre-mundos.html


   Hoy en día es reconocida como un símbolo, una de las primeras pintoras que expresó en su obra su identidad femenina desde un punto de vista muy diferente como lo hubiese hecho el tradicional mundo masculino, representándose a si misma en su obra con rasgos ambiguos, exagerando sus cejas y bigote.


"Desnudos en un bosque" obra de Frida Kahlo.


   Su obra se puede definir como expresionista y surrealista, aunque no es fácil de clasificar en una escuela. Frida definía sus obras como el reflejo de su propia realidad.
La mayor parte de sus obras están realizadas en pequeño formato.
   La Casa Azul hoy es el Museo Frida Kahlo (Coyoacán, México), casa donada por Diego Rivera tras el fallecimiento de la artista, casa en la que vivió.

martes, 11 de diciembre de 2012

KAREN NOLES, LA UNIÓN DE LA TIERRA Y EL HOMBRE...



"La esencia de la vida espiritual está formada por nuestros sentimientos y nuestras actitudes hacia los demás."
(Dalai Lama)





   El espíritu de la tierra y el hombre.


   Una vez más, elijo este tipo de artistas y de pinturas por lo que me llegan a transmitir. La combinación del espíritu animal con la combinación y conjunción del espíritu del hombre, ambas naturalezas respetándose y valorándose. Las importancia que posee el animal para ciertas culturas y el valor que le dan.








   Es una pintora nacida en Nebraska en 1947. En sus obras podemos observar un homenaje a los nativos americanos, centrando toda su atención y detalle en ellos, principalmente en los niños.



Obra de Karen Noles y su pasión por la vida de los nativos americanos.



   Se graduó a los 19 años en la Escuela de Arte de Omaha y posteriormente fue contratada por una  compañía de tarjetas de felicitación como ilustradora. Karen trabajó durante 20 años para Hallmark y otras empresas, para aventurarse posteriormente en el mercado de las obras de arte.



Retrato realizado por Karen Noles.



   Formó una familia en la Reserva de Flathead, una reserva india situada en el noroeste de Montana, donde ha vivido y dedicado su obra los últimos 35 años.



Obra de la americana Karen Noles.


   Sus trabajos están realizados a óleo, al máximo detalle y posee un uso magistral del trabajo del grano y de la pluma. Sumamente estudiados y detallados, intentando retratar el mayor detalle e historia de los nativos americanos. Imágenes poseedoras del contacto con la naturaleza y de la importancia que los animales tenían para los indios de un modo espiritual.




Niña india, realizada por Karen Noles.


   Ha sido aceptada como miembro del Gremio Internacional de Realistas, recibiendo varios premio de honor de People Choice.

   A lo largo del blog he ido mostrando a otros pintores que han retratado en sus obras este mismo motivo. 




   Imágenes sin duda cargadas de inocencia y pureza, la dualidad de ambas especies, cachorros que están purificados en alma y espíritu.


   Voy a terminar con una leyenda india que habla del vinculo que se creo entre una joven y los lobos.





"MARPIYAWIN Y LOS LOBOS"


La tribu de los Sioux era nómada, estableciendo sus aldeas en varios lugares a lo largo del año. Con la tribu viajaba una joven que llevaba un perro, al cual quería con locura pues lo había criado desde recién nacido. Al anochecer observó que el perro no estaba, buscándolo por todo el campamento sin obtener suerte, por lo que salió ha buscarlo por si había vuelto a la anterior zona donde acamparon.
   Esa noche cayó la primera nevada y Marpiyawin se vio obligada a refugiarse en una cueva. En su bolsa llevaba comida por lo que no temía al hambre.





   Durante la noche se durmió, teniendo sueños en la que los lobos la hablaban prometiéndola que no pasaría ni hambre ni frío. Al despertar, se vio rodeada de lobos. Durante los días que duró la tormenta, los lobos la llevaban alimentos y se acostaban junto a ella para ofrecerle calor.
   Pasadas las tormentas, los lobos acompañaron a Marpiyawin hasta su campamento, despidiéndose allí de ellos, alegre de volver a reencontrarse con los suyos pero enormemente triste por tener que abandonar a los lobos. Los lobos le pidieron a la joven una sola cosa, que les llevara comida grasosa a lo alto de las montañas.






   Al volver contó su historia y todos buscaron comida, la muchacha cumplió su promesa a los lobos. En ocasiones se oían los aullidos de los lobos que llamaban a la joven, alertándola con ello de los peligros que acechaban a la tribu y de las tormentas de nieve que se acercaban.

Obra de Manuel Sosa.


   Marpiyawin fue conocida como "Wiyanwan si kma ni tu ompiti", "La vieja que vivió con los lobos".


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/05/tema-artistico-en-la-pintura.html




   Al realizar esta entrada me han venido juegos de la infancia, cuando pasábamos los veranos en el Valle de Losa y nos juntábamos unos cuantos chavales y jugábamos a  indios. La ventaja de poder estar en zonas de monte  a plena naturaleza, es que podíamos jugar con total libertad por las campas y monte.
Construíamos arcos y flechas con palos y cuerdas, y recuerdo 
  una ocasión en la que había una manada de buitres sobrevolando una campa. No se nos ocurrió otra cosa  a unos pocos de chavales, que tumbarnos boca arriba haciéndonos los muertos, con nuestros arcos preparados, esperando impacientes a que los buitres nos atacaran para así poder dispararles nuestras flechas.

   Son de los recuerdos mejores que tengo, esas cosas de niños que tanto nos hacían reír y poseer tanta imaginación.

jueves, 6 de diciembre de 2012

TOMASZ RUT, SENTIMIENTO PURO...



   "El amor es la más fuerte de las pasiones, porque ataca al mismo tiempo a la cabeza, al corazón y al cuerpo."
(Voltaire)



El cuerpo humano en su máxima expresión.








   Tiene un estilo al igual que Ferri influenciado por el barroco. A mi me encanta especialmente por la figura ya que me impresiona ver el conocimiento del cuerpo humano en el aspecto de la anatomía que parece tener. Los cuerpos que pinta marcan increíblemente bien cada uno de sus músculos, dando mucha fuerza de movimiento y mostrando el deseo, el dolor y la angustia en cada gesto. Con un toque clásico que a la vez está impregnado por ese toque moderno que hace que sean más actuales aún haciendo uso de aspectos utilizados en otras épocas. A mi me ha encantado, ya que me parece sorprendente y maravillosa la sensibilidad que muestra.
   Sus obras parecen poseer un toque mitológico.



Obra de Tomasz Rut.




   Rut es un pintor nacido en Varsovia (Polonia) en 1961. Hijo de padre atleta Olímpico y madre artista. Gracias a la pasión vivida en casa por el arte y los clásicos, este joven niño encaminaría sus pasos hacia el arte de la pintura inventando un estilo propio.

   Sus pinturas poseen la influencia de el arte barroco y renacentista. Su primer contacto con el mundo de las exposiciones fue ya desde muy joven, tan sólo con 11 años, en Varsovia.



Autor de la obra Tomasz Rut.


   Se formó en la Academia de Bellas Artes de Varsovia y continuó su preparación y perfeccionamiento en New York en el Pratt Institute de Brooklyn y en la Universidad de Columbia de Manhattan.


   Trabajó para la casa Bittmore en Asheville (Carolina del Norte) en la conservación del arte restaurando murales a gran escala en los museos y mansiones para clientes como el Institute Smithsonian y el departamento del Tesoro de E.E.U.U y varios sitios más de gran prestigio.
   Comenzó en estos viajes que realizaba restaurando a sentir que en la labor que realizaba había un vacío, el de la pintura figurativa y por ello decidió crear un estilo propio.


Pintura realizada por Tomasz Rut.



   En sus obras introduce telas agrietadas que dan un aire barroco a sus pinturas, tratándolas con productos que las envejecen que hacen recordar a los clásicos como Miguel Ángel, Tiziano, Rafael...
   Hace uso también del encanto irreal del Quattrocento, con personajes varoniles con una desnudez vigorosa, heroica y con una anatomía muy expresiva y marcada, que parecen surgir en movimiento del lienzo.

Sus féminas son mujeres delicadas, dulces, con largas cabelleras en ocasiones trenzadas que nos recuerdan a las doncellas de los cuentos, cubiertas por delicadas togas.

http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/05/tema-artistico-en-la-pintura.html



Tomasz Rut introduce en sus obras muchos motivos, entre ellos instrumentos musicales.




   En ocasiones se puede ver la presencia de caballos, haciendo quizás alusión a una pasión desbocada, a los sentimientos sin control, salvajes, naturales y espontáneos en los que la humanidad se mueve.



Presencia del caballo en las obras de Tomasz  Rut.






   La sensación que me da en  cada imagen que retrata es la de tristeza o suplica por los males cometidos. El hombre parece mostrarse en un postura de ruego o arrepentimiento y la mujer con un alo de tristeza lo acaricia en un gesto de perdón, supongo  que a ello se debe a que en ocasiones aparezca representada como un ángel o acompañada de animales como son el cisne, que quizás nos recuerden o trasmitan amor y pureza.

   La manera que tiene de envolver el momento que vive cada protagonista hace que se centre todo el universo en ellos, el recogimiento de todos los sentimientos, la pasión y el amor.



Tomasz Rut impregna de pasión sus pinturas.


   Están muy presentes como ya he dicho, la aparición de animales (muchas veces con sentido mitológico) e instrumentos musicales. Son imágenes que abarcan y llenan por completo todo el formato, dando la sensación incluso en ocasiones de ahogo , posee poco espacio negativo.




   Y para finalizar la entrada, un vídeo musical que me ha parecido muy apropiado, el video clip de Christina Aguilera "El beso del final".






sábado, 1 de diciembre de 2012

CARAVAGGIO VIDA Y OBRA...



"¿Quién en el arco iris puede trazar la línea donde termina el violeta y comienza el anaranjado? Vemos claramente la diferencia de colores, pero ¿Dónde, exactamente, se confunde el primero con el segundo? Lo mismo sucede con la salud mental y la locura."
(Herman Melville)





   La mente del claroscuro.









   Voy a dedicar esta entrada a uno de los pintores que ha hecho historia en la pintura, uno de los más reconocidos y significativos. Me refiero a Caravaggio, quizás ya no sólo me llame la atención por sus obras, que me pueden gustar más o menos, es más por su historia, por el significado que aportó a la pintura con sus ideas locas para la época en la que vivía, para su cabeza pensante que era la que hacía que sus obras fueran tan diferentes de lo esperado y que le llevó a que el final de sus días fuera un final sin lugar a dudas de lo más triste, el fin de un gran artista que no fue reconocido en su momento. Un adelantado a sus tiempos. La capacidad que poseía de interpretar escenas tan crudas sólo podía ser consecuencia de una persona sumamente emocional, con una gran carga interior de sentimientos varios que sabía llevar al lienzo.



   Su nombre completo es Michelangelo Merisi da Caravaggio. Su historia comienza en Milán, en 1571, el nacimiento de un gran artista. Es uno de los grandes exponentes del Barroco.



"Baco" de Caravaggio.


   Los motivos en sus pinturas son principalmente religiosos, algo por otra parte, muy habitual en aquella época. Muy a menudo sus trabajos eran rechazados por sus clientes, debido a que la forma de interpretar las escenas que poseía Caravaggio iba más allá de lo puritano de la época y del ideal que se pedía. Caravaggio era duro y demasiado realista en la creación de sus pinturas. Era muy habitual que sus modelos pertenecieran a gente de la calle como podía ser prostitutas, ladrones, mendigos, etc., pasando a ser los protagonistas de sus obras, algo que no era bien visto por gran parte de los sectores de la época, pues mancillaba el ideal que poseía aquella sociedad de lo religioso y puritano.


"La incredulidad de Santo Tomás" obra de Caravaggio.


   Caravaggio producía escenas con mucha sensualidad, en las que sus modelos poseían en ocasiones incluso rasgos un tanto vulgares y atrevidos, que se apartaban de esos ideales que debían de poseer y ese puritanismo e idealización que se esperaba de las imágenes religiosas.




   La obra que mayor impacto y revuelo causó fue sin duda "La muerte de la Virgen" demasiado realista y evidente, y si a esto se le sumaban los rumores de que la modelo podía ser el cadáver de una prostituta ahogada en el Tíber, la obra estaba destinada a el rechazo.



"La muerte de la Virgen" de Caravaggio.


   La vida de Caravaggio fué una consecución de desgracias y mala suerte. En 1606 tuvo que huir de Roma ya que asesinó a un hombre en una reyerta. Posteriormente sufrió un intento de asesinato frustrado. Acontecimientos como este hicieron que la reputación de Caravaggio quedase mal parada, lo que provocó en el artista un gran decaimiento que le llevó a una profunda depresión, que  2 años más tarde le causó la muerte.



   Caravaggio creó un cambio dentro de la pintura gracias a sus inquietudes pictóricas, a su experimentación. Creó una nueva forma de naturalismo. La resta de importancia que protagonizó en su época fue contrarrestada con el tiempo y todo gracias a el estudio del Barroco en el Siglo XX, con lo que volvió a tener el valor que siempre tuvo que tener dentro del arte. 


"La Crucifixión de San Pedro" de Caravaggio.


   Los claroscuros son algo muy significativos en sus pinturas, así como característico era que realizara sus bosquejos realizando líneas básicas que posteriormente servirían para culminar su obra y sus ideas transgresoras que tanto podían incomodar en la época. Evitaba la idealización de las figuras y los bocetos preparatorios.
    Dentro del blog hay un artista contemporáneo italiano que posee ciertas similitudes con Caravaggio, me refiero a Roberto Ferri, que en sus obras hace un guiño a el Barroco, con un toque más actual. Podemos comparar la obra de Caravaggio "El amor victorioso" con algunas de Ferri y ver esa influencia que sin duda, ha sido Caravaggio para este último.



"Amor Victorioso" de Caravaggio.
Obra de Roberto Ferri.


















   Una vida llena de complicaciones y tramas que hicieron que Caravaggio terminara sumido en la tristeza. Una mente demasiado adelantada para sus tiempos, tiempos en los que la Iglesia tenía demasiado poder.


   Este ha sido mi pequeño homenaje a este maestro, mi visión. El gran pintor del claroscuro que vivió entre luces y sombras.



   Os dejo con una versión de Sailing de Cristopher Cross con N- Sync.




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