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domingo, 6 de enero de 2013

RUBENS, SU PROPIA DEFINICION DE LA BELLEZA...

"Algunos se equivocan por temor a equivocarse."
(Gotthold Ephraim Lessing)







   La pasión por la realidad de las carnes.








   Si ya me gustaba este gran pintor, al ver sus obras expuestas en el Museo Guggenheim de Bilbao terminó gustándome aún mucho más, poder observar la magnitud de sus formatos y su pincelada a tan solo unos pasos y poder estar tan cerca de las obras de una artista con tanta historia e importancia en el mundo de la pintura es una gran sensación. Recuerdo que por entonces era una época en la que se hacía una constante alusión y empezó a estar muy de moda la extrema delgadez, Rubens en su obra demuestra que esto no es cierto, que la extrema delgadez so es bella, que las curvas pueden embellecer, él, embellecía a esa mujer que abundaba tanto en una época en la que él producía sus pinturas.

"Júpiter y Calisto" de Rubens.



   Pedro Pablo Rubens (1577-1640), este es el nombre completo de este gran pintor flamenco, nacido en Siegen (Alemania). Rubens poseía todos los ingredientes para el éxito y una vida con fortuna que le condujo a ser uno de los grandes. Poseía reconocimiento, talento, éxito en la sociedad y un alto nivel tanto cultural como económico.

   Su obra se encaminó principalmente hacia la pintura, realizando no obstante, incursiones y experimentaciones en otros aspectos del arte.

   Posee una temática muy variada, siendo esta de gran volumen, y que puede ir desde la temática religiosa, mitológica a los retratos, historia, paisaje, figura, etc...


 



"Sansón y Dalila" obra de Rubens.



   Son imágenes especialmente significativas y delicadas que marcan a la perfección el motivo, la situación y la psique de cada uno de los personajes que las habitan, mostrando en todo momento y en cada pincelada su gran habilidad temática. Sin duda, Rubens aportó una firma propia para todas sus obras, siendo estas reconocidas al momento.

   Sus pinturas poseen viveza de colorido, inspiradas en la escuela veneciana, especialmente en Tiziano. Imágenes con mucho movimiento y una composición muy vital, con figuras poseedoras de una gran carnalidad, muy sensuales las que están representadas por mujeres realizadas con pinceladas sueltas y frecuentemente en escorzo. Por otra parte podemos ver a la figura masculina, muy influenciada por Miguel Ángel, varones muy musculosos y varoniles.


"Venus frente al espejo" de Rubens.



   Rubens ingresó en 1589 en la Escuela del latinista Rombout Verdonk, donde recibió un amplio aprendizaje. Con tan sólo 14 años, Rubens ingresó como aprendiz de la mano de Tobias Verhaecht, pintor especialista en la pintura de paisaje. Fue sin embargo el maestro Otto van Veen quien le inculcó y le educó los ideales de la pintura clásica.


"Boreas secuestra a Oreithya" obra del pintor flamenco Rubens.




   Sirvió en la corte del duque de Mantua como pintor, donde pudo gracias a ello vivir de su arte y comenzar a codearse con la aristocracia. En esos años fue donde centró su arte hacia la pintura con toques y motivos tanto griegos como romanos.
   Comenzó pronto a recibir encargos de la iglesia, lanzándole esto a ser uno de los más valorados entre los pintores.
   Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia le nombraron pintor de corte, algo que una vez más, hizo que a Rubens le sonriera la fortuna, siendo estos patrocinadores del pintor.





"Perseo y Andromeda" obra del pintor Rubens.



   Rubens montó un estudia de gran prestigio en el que impartía educación a numerosos pintores contando a su vez de grandes encargos de gran embergadura.

   Con el tiempo viajó a España, dejando patente su posición como pintor, siendo uno de los favoritos del rey español, algo que le aportó a su vez, numerosos encargos del rey.

   Una de las mayores colecciones de este pintor, se encuentra en el Museo del Prado.

Su famosa obra "Las tres gracias"






   Y como la mitología es algo que me llama profundamente y me encantan sus leyendas y mitos, os dejo una de ellas, la que habla de Perseo.








"LA HISTORIA DE PERSEO"


   Semi-Dios griego, hijo de Zeus y Danae, nieto del rey de Argos, Acrisio.

   El oráculo de los dioses vaticinó que Danae en el momento de parir un hijo haría que su abuelo Acrisio moriría a sus manos. Para evitar este echo, Acrisio encerró a Danae en una torre dentro de una jaula de bronce. 
   Pero Zeus, ya prendado de la belleza de Danae, convirtiéndose en lluvia dorada, penetró por la torre dejando embarazada a Danae, engendrando entonces a una leyenda, Perseo.



"Júpiter y Danae" obra de Rubens, Zeus es el equivalente de Júpiter en la mitología griega.



   Danae intenta ocultar a su hijo, pero Acrisio lo descubre y ante la falta de valor para matar a ambos, los lanza a mar dentro de una caja. La caja es llevada por el agua hasta la isla de Sefiros, donde reina Polidectes, el cual se queda prendado ante la belleza de Danae y ante la protección molesta que Perseo procura a Danae hacia Polidectes, este último decide crear un plan para deshacerse de el joven Perseo, diciendo a la gente que el joven quiere conquistar a la princesa Hipodamia, amante de los caballos, preguntándole a Perseo que regalo le haría él a la joven princesa para conquistarla y cual es la sorpresa de todos cuando Perseo anuncia que le regalará la cabeza de Medusa, un ser que posee serpientes como cabello, una de las tres Gorgonas y la única mortal.


   Zeus se compadece de su hijo, por lo que pide ayuda a Atenea y a Hermes. Atenea le regala a Perseo un escudo y Hermes una espada.
   En el viaje Perseo se va encontrando con varios personajes como las Grayas, brujas ancianas con un mismo ojo, las náyades y va haciéndose con diferentes objetos divinos.
   Perso por fin llega a la morada de las Gorgonas, utilizando el escudo como protección y espejo, para así evitar la mirada hechicera de Medusa, consiguiendo así cortarla la cabeza. De la sangre de Medusa nace un caballo, Pegaso.



"Medusa" de Rubens.



   Perseo retorna y se presenta frente a Polidectes con la cabeza de Medusa ante el asombro de todos.


   El joven desea saber de su abuelo, por lo que decide ir en busca de él, Acrisios al saber de esto huye a Larisa para evitar que la profecía del oráculo no se cumpla, donde se celebran unos juegos olímpicos, Perseo, tiene conocimiento de esto y se presenta en los juegos participando en ellos. En una de las pruebas, Perseo debe realizar un lanzamiento de disco, con tan mala fortuna que el lanzamiento es mal realizado, golpeando el disco en la cabeza de su abuelo Acrisio, produciendole la muerte y cumpliéndose así lo que los dioses habían anunciado.



 
"Dos sátiras" obra realizada por Rubens.

martes, 18 de diciembre de 2012

FRIDA KAHLO...


"Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior."
(Frida Kahlo)



   Autorretrato de un dolor.

 

   

   En esta ocasión voy a hablar de Frida Kahlo, ya que es una de las grandes de la pintura. Personalmente no me gusta el estilo que posee, pero lo que sí me gusta es la historia que tiene impresa en  cada trabajo que ha realizado. Frida nos deja ver su vida y su mundo interior a través de sus obras. Su dolor, su tristeza y sus sentimientos más oscuros y desgarradores fluyen a través de esas pinceladas, de esos colores y de esos autorretratos que quizás no se lleguen a entender a no ser que se sepa su historia. 

   Una persona muy peculiar, transgresora y atrevida para sus tiempos y para el mundo que la rodeaba. Una persona que ha tenido una vida muy dura y complicada, para la cual, la pintura era su escape y su grito de dolor.
   Todos la conocemos como Frida Kahlo, pero su nombre real y completo es Magdalena Carnen Kahlo Calderón, nacida en 1907 en Coyoacán, México. Frida era alguien poco convencional, alguien que luchó contra la época y sus restricciones.



Frida Kahlo.


   Como ya he dicho, sus obras poseen un transfondo, una forma de representar su interior y la historia de su vida, una vida marcada por la fatalidad y una lucha constante por mantener la vida y las ganas para vivirla. Su infancia ya estuvo marcada debido a una larga enfermedad, la cual le provocó una gran limitación motriz y años más tarde, por una accidente en 1925, algo que le produjo estar largas temporadas postrada, algo que la llevaría a introducirse en la pintura, algo por lo que curiosamente, resultó conocida y famosa. Frida viajaba en un autobús cuando se dirigía a casa de vuelta del colegio. El autobús fue arrollado por un tranvía, quedando aplastado. La columna de Frida se fracturó en 3 partes y sufrió graves daños en la clavícula, cadera y costillas. Su pierna derecha se fracturó en varias partes y el pasamanos del tranvía la atravesó desde la cadera hasta salir por la vagina. Esto hizo que Frida pasara un largo calvario de 32 operaciones, corsés de yeso y mecanismos varios de "estiramiento".



"La columna rota" de Frida Kahlo.


 Fue entonces, cuando comenzó a pintar, para mantener su cabeza en otra parte y evadirse del dolor y de su desgracia. Su primer autorretrato a óleo se lo dedicó a Alejandro Gomez Arias, su novio que viajaba con ella en el autobús el día del fatídico accidente. Comenzó entonces, una forma de desahogo una forma de reflejar en sus cuadros sus emociones más tristes y la soledad que la perseguía desde su infancia debido a su enfermedad.  En esta época destacan algunas de sus obras que plasman a la perfección sus sentimientos, que son "Cuatro habitantes de Ciudad de México", "Niña con máscara de muerte" o "Ella juega sola".

   
"Niña con máscara de muerte" o "Ella juega sola" obra de Frida.


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/03/la-gioconda-de-leonardo-da-vinci.html



  Declarada abiertamente bisexual, Frida se casó con el naturalista mexicano Diego Rivera, alguien que marcaría su vida de una forma profunda. Rivera fue una gran influencia para Frida, ya que esta comenzó a incluir en sus obras el arte popular mexicano y los indígenas.




Caracterizada como Tehuana su obra "Pensando en Diego".



http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/03/el-grito-de-edvard-munch.html



   El sufrimiento no cesaría, ya que su matrimonio se rompió por culpa de las infidelidades de Rivera, incluso con la propia hermana de la artista. El gran amor de su vida, le provocó la herida más dura, provocándole una gran depresión, algo que le llevó a la consumismo excesivo de alcohol, para poder aliviar tanto su dolor físico como psiquico. Durante este periodo hay dos grandes obras que representan a la perfección ese dolor y ese estado, "Las dos Fridas" y "Desnudos en un bosque".



   
"Las dos Fridas".
  


 Tras esto y varias penurias más, el peor momento de la vida de Frida fue cuando debido a una gangrena le tuvieron que amputar una pierna. Frida intentó quitarse la vida en varias ocasiones. Para sacar su tristeza de su alma, comenzó a escribir un diario, en el que hablaba sin tapujos de su calvario, su dolor y sufrimiento al igual que de sus ideas suicidas.



Obra de Frida.


   Si Frida mantuvo y buscó las fuerzas para seguir, fue gracias al amor que sentía por Diego Rivera, con quien volvió a casarse, y por su esperanza de que algún día, él la necesitaría tanto como ella a él.
   A todo esto, se suma la pérdida de 3 hijos.
   Las últimas palabras escritas en su diario fueron "Espero alegre la salida y espero no volver jamás". Murió en 1954, no realizándosele ninguna autopsia a su cuerpo.


   Frida comenzó su camino en el arte a modo privado, hasta que sus obras fueron expuestas  en una exposición individual en New York y París, algo que le produjo gran sorpresa a la artista ya que consideraba que sus obras no poseían ningún valor artístico.



Obra realizada por la artista Frida Kahlo.


   Como les ha sucedido a muchos grandes de la pintura, el verdadero reconocimiento le llegó tras su muerte, en la década de 1970.
   Frida forjó su propio mito y leyenda, gracias al personaje que creó en sus obras y él cual aparece en la mayoría de ellas, su propio reflejo, un tanto exagerado.


http://hoteldelaspinturas.blogspot.com.es/2012/07/oleo-mujer-entre-mundos.html


   Hoy en día es reconocida como un símbolo, una de las primeras pintoras que expresó en su obra su identidad femenina desde un punto de vista muy diferente como lo hubiese hecho el tradicional mundo masculino, representándose a si misma en su obra con rasgos ambiguos, exagerando sus cejas y bigote.


"Desnudos en un bosque" obra de Frida Kahlo.


   Su obra se puede definir como expresionista y surrealista, aunque no es fácil de clasificar en una escuela. Frida definía sus obras como el reflejo de su propia realidad.
La mayor parte de sus obras están realizadas en pequeño formato.
   La Casa Azul hoy es el Museo Frida Kahlo (Coyoacán, México), casa donada por Diego Rivera tras el fallecimiento de la artista, casa en la que vivió.

sábado, 17 de marzo de 2012

EL PIN-UP DE ALBERTO VARGAS...

 


"La sensualidad sin amor es pecado; el amor sin sensualidad es peor que pecado."
(José Bergamín) 




   Alberto Vargas (1896-1982) fue uno de los más reconocidos pintores de modelos pin-up. A los 16 años se trasladó a los Estados Unidos. Estudió Arte en Europa antes de que estallara la Primera Guerra Mundial.








El estilo pin-up se caracteriza por ser imágenes de chicas guapas sonrientes, con un toque de ingenuidad pero con una gran carga de sensualidad e incluso sexualidad algunas de ellas, pudiendo tener poses provocativas. Chicas con una estética años 40, 50.



Artista del estilo pin-up.


   Comenzó a crear imágenes para la revista Esquire, y fue entonces donde comenzó a adquirir fama. Sus pinturas están denominadas como "Vargas Girls" (Chicas Varga), siendo tan populares que incluso se adaptaron para adornar el fuselaje de los aviones que participaron en la Segunda Guerra Mundial.



Obra de Alberto Vargas.

Tuvo grandes problemas económicos por un pleito que entabló con la revista Esquire que utilizó el nombre de "Varga" y curiosamente fue gracias a otra revista muy famosa, Playboy, que comenzó a utilizar sus pinturas, que hizo que Alberto Vargas volviera a renacer dentro del arte, dando la vuelta con sus obras por todo el mundo.


"Chica Varga".


   Con la muerte de su esposa Anna Mae, Vargas calló en una profunda tristeza dejando de pintar. Años más tarde seguiría haciendo algún trabajo pero de una forma esporádica. Ha retratado a mujeres muy famosas, con este estilo tan particular y femenino.






















   Su trabajo consiste en una mezcla tipicamente de acuarela con aerografo, siendo muy reconocido entre la comunidad de pintores con aerógrafo que conceden el máximo galardón conocido como el "Premio Vargas".









   En sus obras se puede observar especialmente a mujeres muy esbeltas, idealizadas con unas proporciones, semidesnudas, desnudas o con ropajes insinuantes pero elegantes. Muy femeninas y sensuales, que parecen crear un juego de coqueteo con el ojo que las observa. Lo que define a Vargas y hace que sus pinturas sean diferentes o que contengan ese toque especial que caracteriza a todo artista, son los dedos y pies esbeltos, con uñas pintadas a menudo de rojo. 





Olive Thomas, actriz.
Marlene Dietrich.


























Otros artistas de este estilo son George Petty, que tiene imágenes muy bonitas y John Willie, con un estilo muy peculiar con toques un tanto sado.





Alguien que a mi particularmente me gusta mucho y que tiene este estilo pin-up es Dita Von Teese. Es una modelo erótica, actriz y bailarina de Neo-burlesque estadounidense. Os dejo un vídeo en el que os enseña el trabajo que realiza, a mi como he dicho, dentro de su estilo me gusta mucho, me parece de las mejores y muy elegante.





viernes, 16 de marzo de 2012

"EL GRITO" DE EDVARD MUNCH...



"Inexplicable angustia, hondo dolor del alma, recuerdo que no muere, deseo que no acaba."
(Rosalía de Castro)


"El Grito", de Edvard Munch.






   El autor de esta obra conocida mundialmente es el noruego Edvard Munch (1863-1944). "El Grito" es el título de varios cuadros realizados por él, varias versiones. La versión más famosa se encuentra expuesta en la Galería Nacional de Noruega.



Imagen de Oslo, Noruega.



   Esta obra ha sido, en los últimos años, objeto de robos muy sonados mediáticamente, en varias de sus versiones. Es una de las obras más importantes del artista y del expresionismo, siendo imagen de icono cultural, similar a "La Gioconda" de Leonardo Da Vinci, de la cuál he tratado en una de las entradas de este blog.




   El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un conjunto de 6 piezas titulado "Amor". Su idea era la de representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento inicial hasta la ruptura dramática. El Grito representaba dentro de esta serie, la última etapa, la etapa más traumática. La obra no fue muy bien acogida por la crítica de la época y fue clasificada como arte demente, tanto es así, que incluso un crítico del momento, aconsejó a las mujeres embarazadas que no visitaran la obra. La reacción del público fue discrepante en torno a la obra, y gracias a esto curiosamente, el cuadro comenzó a hacerse famosos al aparecer en reportajes de la época.



"El Grito"



   Todas las versiones realizadas por el artista, muestran en primer plano la imagen de una figura andrógina, dejando una libre de  interpretación al ojo que lo ve,y que nos deja ver a una persona en un momento de angustia profunda y desesperación existencial. La figura principal, como podemos observar, se encuentra en un sendero vallado, y en un momento dado da la sensación de perderse fuera de la escena. Está gritando, sujetándose la cabeza que parece ser cadavérica, en un gesto de desesperación incontrolable, de un dolor desgarrador que intenta salir del cuerpo, de locura mortal...El paisaje que se observa como telón de fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg.




Autorretrato de Munch.



Posee unos colores cálidos en el fondo y luz semioscura, divisándose a l lejos sobre el mismo a dos personas con sombrero, apenas imperceptibles. El cielo aparece arremolinado y fluido, creando, aún más si cabe, mayor sensación de crispación y caos a la escena.




"La madre muerta" hace reflejo de la angustia del autor, asemejándose la postura.



   Se plasma, quizás en la obra, la vida atormentada del artista, marcada por una infancia regida por la educación de un padre excesivamente severo y rígido, la enfermedad mortal que terminó con la vida de su madre y una de sus hermanas y por la enfermedad sufrida por su hermana favorita, Laura, a la que le diagnosticaron un trastorno bipolar, por lo que tuvo que ser internada en un psiquiátrico.



"La niña enferma" óleo de Edvard Munch.


   Edward Munch escribía un diario del que se tiene constancia y en el que dejaba plasmados sus pensamientos más oprimentes y sus estados de ánimo como se puede ver en el fragmento que os dejo a continuación:

   "Paseaba por un sendero con dos amigos -el sol se puso- de repente, el cielo se tiño de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio -sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad- mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza..."




"Madonna" obra de Munch.




Da la sensación de que alrededor de cada personaje de sus obras gira un remolino de angustia, como dije en mi presentación, la pintura refleja mucho de uno mismo, muchas veces intencionadamente y otras en cambio sin saberlo...


sábado, 10 de marzo de 2012

LA GIOCONDA DE LEONARDO DA VINCI...



"Todo nuestro conocimiento nos viene de las sensaciones."
(Leonardo Da Vinci)


"La Gioconda".




También conocida como "La Jaconde" o "La Mona Lisa". Es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci y que actualmente se encuentra exhibida en el Museo del Louvre de París.
Se trata de un óleo realizado sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, siéndo retocado en varias ocasiones por el autor. Está considerado como el ejemplo más logrado del Sfumato, técnica que caracterizaba mucho a Leonardo Da Vinci.
"La Gioconda" es la última obra de Leonardo, siendo retocada hasta los últimos años de su vida. Debido a la minuciosidad de su técnica y diversas ocupaciones de Leonardo, como diseñador e inventor, la producción pictórica es muy escasa.



"La Gioconda" obra de Leonardo Da Vinci.



   Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y aplicó posteriormente el óleo diluido en aceite, realizando la técnica del Sfumato, que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolver todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una sensación de inmersión total en la atmósfera. Con esto lo que logró conseguir es una sensación de 3 dimensiones sobre la figura.
Posee una grieta vertical de 12 cm. en la mitad superior, probablemente debido a la eliminación del marco original.



   Hay muchos enigmas que rodean a esta famosa obra, por ello es que me gusta especialmente, por el aura de misterio que tiene alrededor, que hace querer saber más de ella y que sea especialmente fascinante saber más. Uno de estos misterios es acerca de la identidad de la modelo. La tesis más aceptada hace referencia a que se trata de la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, que se llamaba Lisa Gherardini, de ahí que se la denomine como "Gioconda" o "Mona Lisa".
Se cree que por entonces, la Gioconda estaba embarazada en el momento de posar para el maestro. Se cree esto por la posición de sus manos sobre el vientre y el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de su blusa, que era una prenda que solían llevar las mujeres embarazadas de la época.



Museo del Louvre donde se encuentra "La Gioconda".


   Vemos como "La Gioconda" aparece sentada en una galería. Estudios realizados sobre ala obra hacen pensar que la tabla original fue recortada en el borde derecho. La galería en la cuál se ve a "La Gioconda", se abre a un paisaje inspirado en las visitas que el pintor pudo alcanzar a divisar en los Alpes. Se han tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje que se ve tras la imagen, pero la discordancia entre ambos no permite que se diseñe un modelo continuado del mismo, ya que al querer unirlos parece haber un corte. El lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel del terreno.



Parte izquierda del cuadro.
Parte derecha del cuadro.



























E.H. Gombrich, historiador de arte, expresa que en consecuencia del tal efecto creado por el maestro Leonardo, cuando observamos el lado izquierdo de la obra, la mujer parece más alta o más erguida que si tomamos como punto visual o referencia la parte derecha de la imagen de la mujer. Su rostro, así mismo, parece modificarse con este cambio de posición, ya que en este caso, las dos partes no se corresponden con exactitud. ¿Un juego creado por Leonardo? 

   La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente debido a una restauración demasiado agresiva en siglos pasados. Se tiene constancia de fragmentos escritos en los que se hace alusión a sus cejas y pestañas como existentes, aunque según otros expertos, Leonardo nunca se las pintó para quizás así plasmar en su expresión esa ambigüedad o porque simplemente, nunca llegó a terminar la obra.



Detalle de la mirada.


   La mujer dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa considerada como enigmática. Sobre su cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas de la época.
El brazo izquierdo descansa sobre la butaca, a la altura del vientre, y la mano derecha encima de este brazo, transmitiendo con el gesto serenidad y control de los sentimientos.




Posición de las manos.



   Da Vinci pintó a la Gioconda dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca nuevamente cuando pasamos nuestra mirada a otras zonas del cuadro. Creando con esto un gran desconcierto, logrando así engañar a nuestro cerebro, siendo difícil por lo tanto determinar si sonríe alegremente o si en realidad su sonrisa esconde una gran amargura.




Detalle de su sonrisa.



   Es una obra que ha pasado mil calamidades y a lo largo de su larga vida ha sufrido una serie de actos de vandalismo. En 1911 fue robada por un pintor, secuestro que duró 2 años, fue rociada con ácido y golpeada con una piedra. Ahora se encuentra bajo unas enormes medidas de seguridad.
Nunca ha sido tasada, pero sin lugar a dudas conseguiría la mayor cifra dentro del arte pictórico que nunca se haya alcanzado en la historia. Se han realizado muchas reproducciones de esta magnífica obra y otras muchas  obras se han inspirado en ella. Es por lo tanto, uno de los cuadros más famosos.





Versión realizada por Dalí.
Versión realizada por Botero.




   Podemos encontrar también curiosamente a "La Gioconda española"  que fue pintada por uno de los discípulos de Leonardo, en el mismo taller del maestro y de forma simultánea a la original. Está realizada sobre una tabla de nogal y su estado de conservación es muy bueno. El repinte que ocultó el paisaje es posterior a 1750, es decir, que se pintó en España. Está documentada su presencia en la Corte española al menos desde 1666.




"La Gioconda" y  "La Gioconda española" (izquierda a derecha)



   Estudiosos del tema, dicen que la clave real de todos los enigmas que rodean a "La Gioconda" se encuentran en realidad en su mirada. El investigador italiano Silvano Vinceti alega haber descubierto en sus ojos letras y números  imperceptibles al ojo humano, símbolos que Da Vinci camufló en su obra, debido a sus intereses por la religión y el misticismo. Estos signos son la L, en número 72 y la S.

L. Representa a Leonardo, alegando que el trazo es igual a los escritos del pintor.
72. Aparece en la Cábala, corriente mística judía, y en el Cristianismo. Da Vinci, hay que recordar que era un apasionado de estos temas.
S. Podría hacer referencia a una mujer de la dinastía gobernante de Milán, los Sforza, donde vivió Leonardo.




La Cábala.



   Quién sabe si este no es un mensaje enmascarado de Leonardo y sus visiones sobre el Universo. Es una de las cosas por lo que este cuadro me gusta, por el misterio, las historias que giran alrededor de él, la Cábala, el significado que tenían para Leonardo los números, cosas por las que muestro interés...

   Una vez más, cada uno que siga con la historia, historia que perdurará por los siglos de los siglos, quizás eso sea lo que hace que esta obra sea tan especial, sus enigmas...




Leonardo Da Vinci.









Os dejo un vídeo de que trata sobre Leonardo y especialmente de la copia de "La Gioconda", es muy interesante en la que explica las diferencias entre ambas...





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